Un laberinto de historias

Hacía tiempo me habían recomendado que lea a Cristian Alarcón y nunca tenía la posibilidad. Finalmente me prestaron su primer libro, Cuando me muera quiero que me toquen cumbia, para un trabajo facultativo y lo leí con mucho placer.

Este libro es una muestra de que el buen periodismo no está muerto. Cristian Alarcón hace gala de sus posibilidades descriptivas desenpolvando las tradiciones periodísticas de la “no ficción” de Rodolfo Walsh o Truman Capote y demuestra que aún se pueden contar buenas historias. La obra logra transmitir con mucha fidelidad cómo es la vida dentro de los barrios más marginales del conurbano bonaerense.

Para concluir su libro Alarcón caminó durante cuatro años las villas San Francisco, 25 de Mayo y la Esperanza de San Fernando. Su disparador inicial fue la historia de Víctor “El Frente” Vital, una especie de Robin Hood villero, un héroe imperfecto que fue asesinado por la policía y se transformó en un mito entre los jóvenes.

Con mucho ritmo, el periodista chileno muestra como a partir de la muerte de El Frente y la batalla campal contra la policía que devino del asesinato, los códigos de las villas fueron cambiando, los “transas” (vendedores de droga) ganaron poder y ya nada fue igual.

El autor recorrió los pasillos laberinticos de las villas y dialogó con los familiares, amigos y enemigos de El Frente logrando meterse en las historias de cada uno en particular. El único aspecto negativo es que de tanto ritmo vertiginoso, por momentos cuesta ubicarse cuando vuelve a una historia “antigua” de qué personaje se trata.

Es destacable que el periodista de Página 12 en ningún momento del libro sucumbe ante la tentación de hacer una declaración política directa, sino que se limita a relatar las historias de violencia y traición que tejió, dejando que el lector saque sus propias conclusiones acerca de por qué suceden esas cosas.

Un libro altamente recomendable.

“La gente nos pedía canciones propias y nosotros se las dimos”

Los Reggae Rockers son una banda sofisticada, no por ser pretenciosa con su sonido, pero si por tener en Yael Rodríguez una espectacular voz femenina y por atreverse a reversionar temas de clásicos jamaiquinos como Satta Massagana, músicos de la talla de Bob Dylan y bandas como Led Zeppelin y Sublime. Esta banda, que ya es frecuente en la escena reggae de Buenos Aires y supo telonear a Los Cafres, Gondwana y Skatalites, entre otros, está formada por Pato Drumer en batería, Yael Rodríguez en la voz, Fer Di Carlo en la guitarra, Chino Gonzalez en teclados y Pedro Olcese en bajo. Los oriundos de Florida lanzaron este año su segundo disco “Music is Music”, donde además de tocar reversiones, incluyen temas propios.

-¿Cómo fue que se formó la banda?
-La banda arrancó allá por el 2003 como un proyecto de Fer Di Carlo (actual guitarrista) y Patito Drumer (baterista) acompañando en los primeros dos años al cantante Pablo Molina (NdR: Ex Todos Tus Muertos). Pero en 2005 Reggae Rockers tenía muchas ganas de seguir creciendo como banda, mientras que Pablo tenía fuerte visión de solista. Así fue que en ese año entró al proyecto la cantante Yael Rodríguez renovándose la formación del grupo y comenzando un nuevo camino.

-¿Qué porcentaje de Reggae y qué porcentaje de Rockers dirían que tienen?
-Es difícil medir en porcentajes. Pero sí podemos decir que nuestro móvil es el reggae y que el rock es una gran influencia para muchos de nosotros. Así como también otros estilos como el soul, el blues y el funk.

-Salvo excepciones, no es común ver voces femeninas en el ambiente del Reggae ¿Sienten que el público los mira diferente por este rasgo distintivo?
-Digamos que de movida no es lo mismo una banda de reggae con cantante femenina y una con cantante masculino. Tal vez el público mira un poco diferente porque está más acostumbrado a ver a cantantes masculinos, cierra más con el estereotipo dentro del estilo reggae, y nosotros sabemos que nos salimos un poco del protocolo (risas).

-El Reggae viene teniendo un crecimiento ininterrumpido desde hace años con bandas como Nonpalidece o Dread Mar I. Pero da la impresión que su estilo se distancia un poco del Reggae Roots con tintes religiosos.
-Siempre nos permitimos hacer una versión libre tanto del estilo como de los temas que elegimos para tocar. Tomamos la música como hecho artístico en sí mismo y porque nos moviliza.

-Están por presentar su segundo disco ¿Cómo fue el proceso de grabación?
-Lo grabamos en el estudio La Carpa en Florida. La dirección artística estuvo a cargo de Patito Dramer, Fer Di Carlo, Yael Rodríguez y lo coprodujo José García Rosa. El disco tuvo un año y medio de trabajo, nos tomamos nuestro tiempo para hacer las cosas.

-¿Por qué eligieron el nombre “Music is Music”?
-Parafrasea a unas palabras que pronunció Bob Marley. Para nosotros es así, la música es música, por eso cuando versionamos canciones de otros autores no nos importa de qué estilo son, las llevamos a donde queremos por que la música es música.

-Tuvieron muchos invitados para la grabación de este nuevo disco, entre ellos a Botafogo, me imagino fue algo muy especial.
-Haber podido escuchar grabar a Miguel en el disco fue algo de lo mas fuerte que nos pasó. Además es uno de esos músicos al cual le pidas lo que le pidas, suena con la mano de los que saben. Al momento de grabar nos preguntó qué nos imaginábamos para esa canción y nosotros contestamos: “Todo lo que haga quedará bien maestro”. Luego cuando mezclábamos “Tell Me”, nos dimos cuenta que lo que había grabado era muy parecido a lo que habíamos imaginado.

-¿Tienen algún proceso definido para elegir las reversiones que graban?
-El tema de las versiones sale después que decidimos abrir los caminos con Pablito Molina. Estábamos listos para grabar un disco, entonces nos sacamos las ganas de tocar temas que habíamos escuchado hasta el hartazgo, estuvo divertido y fue un desafío, hoy las llevamos como una bandera de guerra. Esas canciones eran las que más nos representaban. No hay una manera definida para elegirlas, alguien de nosotros trae un tema y si la banda lo desarrolla queda. Muchos temas llegan como idea y sólo quedan en eso, una buena idea.

-La gente por lo general es conservadora con los clásicos ¿Nunca recibieron alguna crítica por tocar algún cover en particular?
-Hasta ahora tuvimos buenas críticas. De hecho, el cover de Santería nos dio muchas alegrías. D’yer Maker, de Led Zeppelin también. Todo ese primer disco trajo muchos shows a esta banda. Con el paso del tiempo se hicieron clásicos de clásicos entre nuestro público.

-¿Qué nos pueden contar de los temas propios que grabaron?
-La gente nos pedía canciones propias y nosotros se las dimos. Empezamos a tocarlas entre otros temas y el público respondió favorablemente. Los testeamos en los shows, entre medio de temazos y funcionaban. En el disco quedaron mitad reversiones y mitad temas nuestros, para todos los gustos.

-¿Cómo van a seguir presentando el disco, planean alguna gira de verano?
-Los veranos nos gusta ir de gira mucho, sobre todo a Entre Ríos. Hacemos varios lugares en esa provincia. Hay una gira programada al Sur y seguiremos tocando sin mirar atrás.

Entrevista publicada en www.escenariocentral.com

Poder ver más allá II

Leila Guerriero es a mi parecer la mejor cronista de la Argentina. Tuve la oportunidad de leer sus dos libros. “Los Suicidas del Fin del Mundo” y recientemente “Frutos Extraños”. Ambos son altamente recomendables, Guerriero tiene una capacidad impresionante de fusionar la crónica periodística con una alta graduación literaria.
Es una lástima que las crónicas no tengan el lugar que se merecen en los diarios argentinos, estoy seguro que a mucha gente le gustaría leer escritos como los de Leila en los medios tradicionales de acá.
Lo común es apreciar sus trabajos en diversos medios del extranjero, como El País y Vanity Fair, de España, El Malpensante y SoHo, de Colombia, Gatopardo, Travesías y Letras Libres, de México, y Paula y El Mercurio, de Chile.

Hace un tiempo tuve la oportunidad de asistir a una conferencia que la autora dio en TEA. Me resultó muy interesante el constante hincapié que hizo en que los periodistas tienen que estar atentos constantemente para poder ver más allá de lo obvio; intuir donde está la historia, poder interpretar un silencio como un hecho de valor, ver la significancia de los detalles mínimos.

Rescato las frases que más me llamaron la atención:

SOBRE SU TRABAJO:

“Escribir una nota me puede tomar 3 meses o más”

“Para detectar una historia lo importante es que uno pueda reconocer sus propias obsesiones”

“Escribo mucho para afuera. Lo que interesa en el exterior es lo que remite a un mito universal como el del héroe derrotado”

“Muchas veces los entrevistados se enojan. Yo lamento cuando no pueden entender que yo no voy a escribir lo que escribiría su novia”

“Hay historias que todos los diarios tocan pero no pueden profundizar. Lo que hay que hacer es mirar un poco más allá”

“Lo que no dicen los entrevistados muchas veces se transforma en más importante que lo que dicen”

“Cuando te metés en un mundo tenés que lograr ser invisible, ahí es cuando salen las mejores cosas. Los actores que estás investigando se tienen que olvidar que estás ahí”

“Hay que aplicar la curiosidad y tener paciencia, algo va a pasar. En un momento la realidad se abre como una flor, no solo hay que estar ahí, sino también verlo”

SOBRE EL PERIODISMO:

“Creo que el periodismo esta decayendo, se escribe cada vez peor porque no se lee”

“Un periodista tiene que tener una mirada sobre las cosas, saber escribir, escuchar música, tiene que saber estimularse”

“Un editor tiene que permitirle al periodista que se equivoque para que crezca”

“Un error común en los periodistas es que pierden el foco. No hay que perder de vista los datos duros. Muchos van a una entrevista a confirmar su prejuicio”

“El mejor consejo para un periodista es que sea curioso”

Poder ver más allá

Uno de los grandes aciertos de La Nación este año fue la creación del blog En Foco. Sin grandes pretensiones, se convirtió en una cita obligada todos los días. Simplemente se trata de una recopilación diaria de fotos (por lo general temática) en alta calidad.
Si bien la idea no es la más original (claramente está inspirada en The Big Picture del Boston Globe), nadie lo había hecho antes acá en la Argentina. Creo que este blog es un elemento que afirma aun más a La Nación como el portal de noticias con la mejor y más amigable plataforma online del país.

Hay una foto que me llamó especialmente la atención:



Las chatitas de gamuza de la izquierda corresponden a la primer ministro de Alemania, Angela Merkel y los tacones de charol de la derecha, a la presidenta argentina, Cristina Fernández de Kirchner.
Según pude averiguar la foto fue sacada por un fotografo de la agencia Reuters en la última visita que realizó la presidenta a Alemania con motivo de la feria del libro de Frankfurt.
Me parece brillante la capacidad que tienen a veces los fotografos de ver más allá de la obviedad. Escapando a la típica foto de las mandatarias dandose la mano o un abrazo, el fotografo pudo ver lo que ningún otro pudo al capturar ese contraste de looks.
Las repercusiones de una foto tan particular se pueden ver en distintas formas; por una lado en el posteo del blog donde se generó un debate acerca de como se tienen que vestir los presidentes. Por otra parte, en la edición impresa de La Nacion, donde, aunque muy chiquita, la foto salió publicada.
Tal vez sea una buena idea para los diarios, que están necesitados de lectores, empezar a realizar apuestas fotoperiodísticas de este tipo. Sería un elegante valor agregado a su propuesta.

Una vez más se demuestra que, a veces, una foto vale más que mil palabras.

Lo impredecible

En un par de días se cumplen seis meses del accidente de Gustavo Cerati. Hoy de casualidad encontré una especie de crítica que escribí de su último gran regalo: "Fuerza Natural", un disco de dificil digestión, pero que no tengo dudas, con el paso de los años va a ser muy reconocido (esta última semana ganó siete premios Gardel).

El accidente de Gustavo marcó algo a las claras: lo impredecible. Ahí estaba lo impredecible, en el principio del tercer parrafo.

Escuché por ahí que seguramente vivió la vida que quizo, un lujo que no todos se pueden dar. La realidad es que al margen de como vivió él, hay dos chicos que se están quedando sin padre. Por eso y otras tantas cosas ¡Fuerza Gustavo!

Un viaje de sensaciones

Fuerza Natural nació con la presión de ser el sucesor del exitoso “Ahí Vamos” y de la “Burbuja en el Tiempo” de Soda Stereo ¿Qué hizo Gustavo Cerati al respecto? Un disco que, lejos de ser efectivista, se aleja de las guitarras distorsionadas, es experimental, y se centra en la búsqueda de las melodías. Montado en un caballo volador, como plantea el arte del disco, Cerati realiza un viaje por sonidos que van desde el folk y lo country, hasta lo tecno.

La incertidumbre, la conexión con la naturaleza, las rutas y los paisajes, son las imagenes que se encuentran en casi todos los temas, logrando hacer de Fuerza Natural una experiencia casi visual.

“Me perdí en el viaje, nunca me sentí tan bien”, se escucha probablemente en forma autoreferencial al final de “Fuerza Natural”, primer tema del disco, donde se mezclan arpegios de guitarra con psicodelia. “Deja Vu”, un power pop, es el primer corte de difusión, que tal vez sea el tema que más remite al pasado reciente de Gustavo. “Esta canción ya se escribió”, acusa complice el mismo tema.

“Cactus” y “Tracción a Sangre” (con cita a Bob Dylan incluida), son las mejores apuestas del disco. En estos dos temas se encuentra un Cerati acústico, expermientando con el folk, por momentos cercanoa la chacarera más autóctona.

“Rapto”, segundo corte de difusión y “Desastre” cumplen con la cuota de “canciones dedicadas a mujeres”, que tan bien le salen a Cerati. En este caso, dejó de lado las baladas para poner las baterías bien arriba.

“Domino” es sin dudas el tema más bolichero del disco; guitarras machacantes, samplers constantes y referencias a la música de los ochenta. Un combo que promete pogos en más de un boliche. Pegado, ya en la recta final de la placa, aparece “Sal”. Una canción que apostaría fue compuesta en una playa. Sonidos de gaviotas, espuma y viento son el preámbulo un final hipnótico.

“Convoy” es una balada del cosmos. Simplemente se sale de lo terrenal para invitarnos una y otra vez a ir “mucho más allá del sol”. La canción está cantada casi por completo a dos voces, con la muy bien explotada voz de Anita Alvarez de Toledo.

“Los números no mienten”, se escucha en “Numeral”, track oculto del disco. Ante cualquier duda, Cerati comprobó en este disco que Dylan no miente: “La respuesta está en el viento”.

Entretenimiento modelo Siglo XXI

Por tercera vez en cuatro años, los Black Eyed Peas se presentaron en la Argentina, esta vez en el club GEBA ante 20.000 personas.

Black Eyed Peas es un caso raro en la música. “Es una banda de cantantes de pop / hip hop compuesta por un americano que se disfraza de robot, un mexicano, una cantante de soul frustrada y un filipino”, sería una potable definición. La apuesta sinceramente no suena atractiva, pero tanto en sus discos, como en vivo, todas las piezas parecen disponerse con precisión para que la banda se consagre como la dueña de los hits mundiales.

Pasadas las 22:30 y ante un estadio con una buena convocatoria (sobre todo teniendo en cuenta la cantidad de visitas extranjeras de fin de año), la banda salió a la cancha con “Let´s Get it Started”. Así dejó en claro sus pretensiones: entretener. Nada de tocar canciones inéditas, ni viejas, la banda combinó en el show hits y tecnología. Una fórmula que hace casi imposible que alguien se aburra, sea argentino, brasilero o taiwanés. Si una canción se torna aburrida, siempre va a ver algo que llame la atención, ya sean las imágenes que proyecten alguna de las ocho pantallas de altísima definición o los impactantes vestuarios de Fergie. Siempre hay algún sentido estimulado.

Todo el recital pareciera ser un video clip de dos horas donde cada detalle está pautado a la perfección. Las coordinadas imágenes de las pantallas, los lasers multicolores que cubrieron al público o el completísimo set de luces, son algunos de los detalles técnicos que se transforman en un integrante más de la banda. Esto no le quita mérito a Fergie, Will.i.am, Taboo y Api.de.ap, quienes hacen todo lo que tienen que hacer: bailan coreografías, cantan, corren, arengan y gritan “Buenos Aires, Argentina, los queremos” repetidas veces, hasta el punto que empezás a creerles.

Así fue como pasaron en seguidilla "Rock That Body", "Meet Me Halfway", "Don't Phunk With my Heart", “Imma Be”, "My Humps" (dedicada por Fergie a todas las mujeres argentinas), “Hey Mama” (famosa por haber sido parte de una publicidad de I-Pod) y “Missing You”. El espectáculo cuenta con un segmento solista para cada integrante de la banda.

El primero en hacerse cargo fue Apl.de.ap, quien rapeó correctamente, amagó a cantar “I Know You Want Me” (menos mal no estaba Ricky Fort) y terminó aplaudido mientras hacía piruetas.

Taboo es tal vez quien tiene el rol menos destacado en la banda, no da vueltas carnero y definitivamente no canta bien ¿Qué hacer entonces? Apelar al orgullo latino. “Que bonito es Argentina, la sangre latina, soy mexicano pero también los represento a ustedes”, fueron algunas de las palabras que lanzó con una bandera Argentina proyectándose en las pantallas. También cantó a dúo con un Juanes proyectado “La Paga” (canción que contó con su colaboración en un disco del colombiano).



Fergie, la reina y símbolo sexual de la banda, es sin duda quien cuenta con más admiración en el público, que la aplaudió cada vez que pegó un grito interminable o movió hipnóticamente las caderas. Su set estuvo dominado por temas de su disco solista, “The Dutchess”. “Fergalicious” y “Big Girls Don´t Cry” fueron las más coreadas.

Llegó el turno de Will.i.am, el mentor, líder y productor de BEP (también produjo a otras bandas como U2). Con un impactante disfraz de robot “aterrizó una nave” en el escenario y se dedicó a pasar temas para que la gente bailé: “Thriller” (Will fue amigo de Michael Jackson) y “Sweet Child O´ Mine”, de Guns and Roses, fueron algunos de los que sonaron.

Para terminar la banda volvió a aparecer entera y disparó los últimos hits: “Pump It”, “Don´t Lie”, “Shut Up”, la pacífica “Where is the Love” y “Party All The Time”. Claro, eso no fue todo. Después de un amague de fin, apareció el último mego hit, el tema más descargado en la historia de I-Tunes: “I Gotta Feeling” sonó y todo el estadio saltó.

La banda se despidió y todos se fueron contentos: las chicas, los chicos, los padres y sus hijos. Los Black Eyed Peas lograron acaparar la atención de 20.000 personas durante casi dos horas, y eso en estos tiempos, no es poca cosa.

Crónica publicada en Escenario Central

Arquitectura de la superficialidad

Otro de los libros que terminé de leer es “No Logo” de Naomi Klein. Lo empecé hace más de un año y abandoné varias veces, no porque sea malo, sino por colgarme con otros (mala costumbre que tengo).

No Log es un Best Seller muy conocido, por lo que no tiene mucho sentido comentarlo. Pero recién estaba viendo publicidades viejas y me dieron ganas de rescatar un concepto clave en el libro:

“Las empresas dejaron de vender productos y comenzaron a vender marcas o estilos de vida”. Así explica Naomi Klein el fenómeno de la publicidad. Está claro cuando se inventó la electricidad las empresas intentaban explicar porqué era útil y con eso bastaba para que la gente compre. La publicidad era la descripción de un producto. Pero ahora nadie nos va a venir a contar para que sirve la electricidad o un jean. Entonces se intentan vender marcas, y esas marcas tienen que contener valores para llamar la atención. Si tomas X bebida, sos canchero, si usas X jabón en polvo, querés a tu familia y si te pones X desodorante, sos más lindo.

Un ejemplo que bordea el grotesco de la teoría de Klein, es la publicidad del automóvil Fiat Punto titulada “Valet Parking”:

La publicidad comienza con la imagen de un valet parking de prominente nariz acompañando bajo la lluvia a otro hombre de nariz grande y su atractiva pareja. “¿Que auto eh?”, “Está buenísimo”, son algunas de las frases que el valet parking le otorga con admiración al dueño del coche mientras este se sube al auto.

Ya adentro del auto se produce el momento cumbre de la publicidad: “¿Viste la nariz que tenia?, Pobrecito, yo estuve ahí”, exclama con congoja el narigón dueño del auto a su pareja, que lo mira sorprendida, descreyendo que alguna vez ese hombre tuvo una nariz grande. “No es sencilla la vida para un narigón, yo hoy día te la cuento de otro lado, pero hay que tener esa nariz eh, pobrecito”, agrega luego el dueño del Fiat Punto.

Acá se transmite claramente la idea de que cualquiera que se compre el Fiat Punto va a transformarse en una persona más atractiva, no se nombran prácticamente prestaciones del auto.

Una persona con un Fiat Punto es más atractiva que la que no lo tiene, le va a subir el autoestima, sus defectos físicos van a desaparecer ante el sexo opuesto y como si fuera poco, va a ser admirado por el resto insinuando algún tipo de ascenso social.

“¿Le tendría que haber dado diez pesos no?”, pregunta el protagonista finalizando la publicidad, con el auto moviéndose por una calle lluviosa sobre el eslogan “Un auto diferente te hace sentir diferente”.

No tengo en claro si está mal que existan las marcas y que se vendan con valores. Pero hay algo que es seguro: los creativos publicitarios deberían entender que algunas cosas pueden ser daninas y tener más cuidado. No voy a negar que no me reí la primera vez que la vi, pero también es cierto que un trabajador (como el valet parking) es merecedor de los diez pesos por su trabajo, no por el tamaño de su nariz. A veces con tal de llamar la atención se venden valores errados.